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In legeren Blue-Jeans wirkt er wie ein typisch amerikanischer Jüngling, der gerade seinen Highschool-Abschluss hinter sich gebracht hat. Dabei kann der zum Zeitpunkt der Aufnahme 36-jährige Geiger Joshua Bell aus Bloomington stolz von sich behaupten, dass er nicht nur das Abitur, sondern auch den Sprung vom Wunderkind in eine internationale Weltkarriere geschafft und sogar einen Grammy gewonnen hat. Seine Diskografie enthält Standardwerke und einiges an sehr anspruchsvoller Kammermusik, aber auch Werke, die ohne intellektuelle Umwege emotional direkt in alle Sinne dringen -- kurzum "Crossover" oder Bearbeitungen anderer Art.

Romance of the Violin ist eine solche Aufnahme, 13 seicht arrangierte Stücke berühmter Meister von Monteverdi, Gluck über Mozart und Schubert bis hin zu Schumann, Puccini und Debussy. Hier kann man einen Künstler erleben, für den der Himmel sprichwörtlich voller Geigen hängt, der schier im Gefühl versinkt, ganz überwältigt von seinen geigenden Emotionen. Auf seiner Stradivari von 1713 zaubert er die herrlichsten Melodien hervor, geigt sich mit süßlich schwerem Ton in die Herzen seiner Hörer und zeigt, dass Musik für ihn keine Bildung braucht, um verstanden und gekostet zu werden. --Teresa Pieschacón Raphael

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Viele dürften Musik dieses Score-Komponisten, dessen Name ihnen wohl nichts sagt, schon einmal (zumindest unbewusst) gehört haben. Tan Dun schrieb die Symphony 1997 (Heaven, Earth, Mankind), welche am 1. Juli jenes Jahres bei der Rückführungszeremonie Hongkongs an China in der Millionenstadt aufgeführt und weltweit übertragen worden ist. Nun untermalt der ehemalige Reispflanzer nach Fallen (1997) eine von der Kritik hochgelobte und in Deutschland unter dem Titel Tiger and Dragon laufende Kinoproduktion. Regisseur Ang Lee (Ride With The Devil, The Ice Storm, Sense And Sensibility) erzählt die epische Geschichte dreier Frauen zur Zeit der Ching-Dynastie, deren Schicksal durch einen Kampfkunstmeister und sein mystisches Jadeschwert miteinander verbunden ist.

Während der zweistündige Historienfilm nicht zuletzt wegen seiner spektakulär inszenierten Martial-Arts-Szenen fasziniert, ist der dazugehörige Soundtrack zumindest für westliche Hörgewohnheiten eine Herausforderung. Tan Dun, der seine Karriere an der renommierten Peking Opera begonnen hat, ordnet den einzelnen Charakteren nicht spezielle Themen zu oder untermalt Kampfszenen wie allgemein üblich. Statt dessen lässt er das philosophische Melodram überwiegend von minimalistischen, meist romantischen Klängen begleiten, in denen Percussion, folkloristische asiatische Instrumente, Streicher und Bläser für Spannung sorgen. Markante Akzente in dem oftmals spartanischen Sound-Spagat zwischen westlicher Klassik und östlicher Folklore setzen vor allem die zweisaitige Erhu beziehungsweise Bowu, Dizi, Rawap oder Hand Drum.

Stilprägend und omnipräsent während der fünfzehn Lieder ist ebenfalls der durch sein Spiel beim Score zu Seven Years In Tibet berühmte Ausnahme-Cellist Yo-Yo Ma. So muss dieser 50-minütige Soundtrack auch mehr als konzertantes Gesamtwerk gesehen werden, denn als leicht konsumierbares Opus. Die einzige Ausnahme bildet das vom chinesischen Popstar CoCo Lee sowohl auf Englisch wie Mandarin gesungene "A Love Before Time", an dem der Komponist/Arrangeur/Produzent Jorge Calandrelli (Madonna, Gloria Estefan, Ricky Martin) mitgearbeitet hat.

Interessant übrigens, was der Titel der für den Film verwendeten Romanvorlage von Wang Du Lu übersetzt bedeutet. Das deutsche Gegenstück zu der aus dem Chinesischen ins Englische als Crouching Tiger, Hidden Dragonübertragenen Redewendung heißt: "Es ist nichts so wie es scheint!" --Thomas Hammerl

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Yo-Yo Ma begibt sich wieder einmal auf fremdes Terrain. Seit Jahren verlässt der berühmte Cello-Virtuose immer wieder die Pfade der klassischen Musik. Er spielt Tango, erforscht die musikalische Vielfalt entlang der Seidenstraße, erfährt in Namibia, wie man mittels Musik Trance-Zustände erreichen kann, tritt zusammen mit Popstars auf anderes mehr. Crossover ja, aber auf höchstem Niveau. Und bei aller Leichtigkeit auch mit großer Ernsthaftigkeit. Und Yo-Yo Ma bleibt, sicher auch gerade wegen seiner Offenheit für andere Kulturen, einer der besten klassischen Musiker überhaupt. Darum überrascht seine neue Platte Obrigado Brazil nicht, sie ist nur eine konsequente Weiterführung seines bisher eingeschlagenen Weges.

"Cristal", einer der eigens für diese Platte geschriebenen Titel, eröffnet die CD. Die Komposition von Cesar Camargo Mariano reißt mit, es groovt vom Feinsten. Melancholischer kommt "Chega de saudade" von Antonio Carlos Jobim daher. Die sehr rhythmische Begleitung und die herzerwärmende Stimme von Rosa Passos geben aber der Melancholie auch Hoffnungsschimmer. Überhaupt, das Ensemble, das sich um Yo-Yo Ma geschart hat und die 16 Arrangements von Jorge Calandrelli gekonnt umsetzt, besticht durch Perfektion und Professionalität, versprüht aber auch Emotionen und Lebensfreude. Zelebriert wird ein Querschnitt durch die brasilianische Musik, diesem mal explosiven, mal melancholischen Gemisch aus europäischer Salonmusik und afrikanischen Rhythmen. Heitor-Villa Lobos, Jacó da Bandolim, Camargo Mozart Guarnieri, Baden Powell, Pixinguinha, Sérgio Assad u. a. geben dieser CD ein einmaliges Gesicht, mal lächelnd, mal weinend.

Yo-Yo Ma ist ein Star ohne Allüren. Hier Begleiter, dort Solist. Plötzlich agiert er als Antreiber, um sich dann ebenso schnell wieder im Nichts zu verlieren. Mal nähert er seinen Celloklang einer Flöte an, mal flirtet er mit dem Klarinettensound, dann wieder umgarnt er die Gitarre oder dialogisiert auf wunderbare Weise mit der menschlichen Stimme. Das Instrument Cello scheint grenzenlos zu sein. Typisch Yo-Yo Ma eben. --Rudolf Kamm

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Wir haben uns spätestens seit Kim Fowleys und ELPs "Nutrocker" an die Rock-Bearbeitung von Klassikern gewöhnt. Aber klassische Interpretationen von Rockmusik sind immer noch so eine Art Drahtseilakt. Während die meisten Popsongs stark auf Melodien aufbauen, die für einen Solisten als Grundlage dienen können, hat sich Christopher O'Riley der Herausforderung gestellt, Stücke von Radiohead zu arrangieren. Hierbei handelt es sich um eine von der Kritik am meisten gelobten und um eine der anspruchsvollsten und komplexesten Bands der modernen Rockmusik.

O'Rileys einfühlsame Begabung für Interpretationen (die bereits so ziemlich alles von Strawinsky bis Bach bearbeitet haben) erzeugen hier ein faszinierendes und emotional überzeugendes Hörerlebnis. O'Riley ist ein großer Radiohead-Fan, und diese Verehrung ist allen Stücken anzumerken: von dem verträumten, melancholischen Titletrack bis hin zu der besinnlichen Empfindsamkeit von "Let Down". Radioheads Markenzeichen ist eine dichte, vielschichtige Musik, die sich bei dem Erstellen von stimmungsvollen Klanglandschaften stark auf elektronische Prozesse stützt. O'Riley schafft diese komplexen Strukturen lediglich durch den gezielten Einsatz der Pedale und durch einen klugen Gebrauch von Dissonanzen (wie bei "Knives Out"), aber ebenso durch das rhythmisch unermüdliche Spiel der linken Hand. Man kann dies als Etüden für die Postmoderne bezeichnen, aber O'Rileys Interpretationen erreichen hier weitgehend das, was alle großen Interpretationen anstreben: Inspiration und neue Einsichten. --Jerry McCulley